Universo Montes-Bradley, conversaciones con Julia Montesoro, es la serie de cuatro entrevistas en formato vodcast sobre la obra del cineasta y documentalista argentino Eduardo Montes-Bradley que estará disponible en www.youtube.com/@EduardoMontesBradley a partir del lunes 6 y cada lunes de julio, semanalmente.
Cada episodio de Universo Montes-Bradley se organiza en torno a una de las trilogías que conforman parte de la obra del director: letras latinoamericanas, vida afroamericana y el Renacimiento Americano, con un primer episodio introductorio que explica lo que hay detrás de su obra; el porqué de esas películas, cómo se sostienen y a quién están dirigidas.
Cada episodio dura alrededor de veinte minutos. La serie se publica en español, dirigida al público latinoamericano y español a través de YouTube, redes y el blog montesbradley.com. La función estratégica de la serie es doble: presentar los trabajos documentales de Montes-Bradley a un público que en su mayoría todavía no lo conoce y dejar una huella discursiva que acompañe la distribución académica que sus películas ya tienen en Estados Unidos.
La producción general de Universo Montes-Bradley es de Documentary Film Fund. La idea general y entrevistas están a cargo de Julia Montesoro. La producción periodística es de Norberto Chab. El soporte técnico está a cargo de Radio Trend Topic.
Los episodios están dispuestos de la siguiente manera:
Episodio 1 — El oficio, el método, la estrategia
Introducción al cuerpo de trabajo y a la lógica que lo sostiene.
Este episodio es la puerta de entrada a la serie. La idea es que sirva para presentar el conjunto del trabajo a un público latinoamericano que conoce algunos títulos sueltos —Borges, Cortázar, Soriano, quizás Waissman— pero no ha visto todavía la arquitectura que los reúne.
Hay tres territorios que atraviesan. El primero es el oficio: la elección del retrato como forma, la decisión deliberada de no hacer cine de tesis sino cine que se sostiene en la mirada sobre el otro. El segundo es el modelo: por qué el Documentary Film Fund existe como entidad sin fines de lucro, qué tipo de cine permite hacer ese modelo que el mercado comercial no haría, y qué responsabilidad implica trabajar con fondos filantrópicos. El tercero es el destino: la distribución académica a través de Alexander Street y Kanopy, la biblioteca universitaria como sala de cine de largo plazo, y la idea —que me importa— de que una película que entra a un syllabus vive treinta años, mientras que una que se estrena y se ve vive treinta días.
Episodio 2 — Identidad cultural y conciencia nacional en el siglo XIX
El Renacimiento Americano, la construcción visual de la nación, y la trilogía alrededor de la escultura pública y la música sinfónica del XIX en los Estados Unidos.
Este episodio gira en torno a la trilogía que llamamos The American Renaissance: Daniel Chester French: American Sculptor, The Piccirilli Factor, y Life and Music in the Age of George Frederick Bristow. Las tres piezas conversan entre sí. Las tres preguntan lo mismo desde lugares distintos: cómo una nación joven se inventa una imagen de sí misma a través del arte, y qué consecuencias tiene esa autoinvención.
French esculpe el Lincoln sentado del Lincoln Memorial. Los Piccirilli —hermanos italianos llegados de Massa Carrara— tallan en mármol la obra de French y de buena parte de la gran escultura pública americana, sin recibir el crédito que les correspondía. Bristow compone la primera sinfonía propiamente norteamericana en una era todavía dominada por el repertorio europeo. Los tres construyen, sin saberlo del todo, la cara cultural del American Renaissance.
La conversación puede abrir hacia paralelos latinoamericanos: el modo en que Argentina, Brasil, Cuba se inventaron a sí mismos en el mismo período. La generación del ’80, el modernismo brasileño temprano, la república cubana naciente. La idea de que la conciencia nacional no es un dato sino una obra.
Episodio 3 — La experiencia afro en las tres Américas
La trilogía afroamericana —Bond, Dove, Black Fiddlers, The Other Madisons, The Ambassador— y la pregunta más amplia que ella deja abierta: el contraste entre la diáspora africana en los Estados Unidos y sus equivalentes en Brasil y Cuba.
Este episodio es el más complejo y posiblemente el más interesante para el público latinoamericano, porque pone en diálogo tres experiencias diaspóricas que rara vez se comparan en serio. La trilogía afroamericana estadounidense —Julian Bond y los derechos civiles, Rita Dove y la poesía como forma de memoria, los Madison de Virginia y la genealogía oculta del padre fundador, el embajador Andrew Young, los violinistas negros de la tradición clásica— es el punto de partida.
A partir de ahí se abre la pregunta comparativa. En Estados Unidos la diáspora africana vivió bajo un régimen de segregación legal explícita, organizó una lucha por derechos civiles con un repertorio retórico y musical específico, y produjo una literatura que es central al canon contemporáneo. En Brasil la experiencia fue otra: el samba, el candomblé, una nación cuya identidad cultural mayoritaria es ya mestiza, pero con una desigualdad económica racial profunda y persistente. En Cuba, otra: el aporte afro a la música, a la danza, al ñáñigo, a la propia identidad nacional desde la república temprana, y luego una revolución que oficializó una retórica antirracista mientras administraba sus propias contradicciones.
Tres modos de habitar la herencia africana en América. Tres preguntas distintas sobre qué significa pertenecer. El episodio no pretende resolver la comparación sino abrirla.
Episodio 4 — La república perdida y el imperio perdido
Los proyectos en curso: el modernismo cubano y los nuevos proyectos documentales.
El cuarto episodio mira hacia adelante. Dos proyectos en desarrollo, ligados conceptualmente más de lo que parece a primera vista.
The Lost Republic — Cuba, 1902–1959 es la historia de los cincuenta y siete años de la república cubana, narrada desde el Palacio Presidencial de La Habana —un edificio diseñado para narrar una nación en formación—. La premisa es que la república cubana fue una cultura viva de densidad inusual: Lam, Peláez, Portocarrero en pintura; Lecuona, Roldán, Caturla en música; Guillén, Lezama, Dulce María Loynaz, Cabrera Infante, Carpentier en literatura. Una república que no necesita ser idealizada ni juzgada para ser vista.
Sorolla, Azorín, Rodrigo: A New Vision of Spain es el reverso. Lo que España perdió en el 98 —Cuba, Puerto Rico, Filipinas, lo último de su imperio americano— produjo, en el medio siglo siguiente, una de las épocas más extraordinarias de la cultura española. Sorolla pinta la luz; Azorín escribe la duración; Rodrigo compone la memoria. Las panel de Visiones de España en la Hispanic Society de Nueva York son el núcleo visual de la película.
Eduardo Montes-Bradley es un documentalista y autor cuyo trabajo explora el arte, la música y la historia cultural a través de las vidas de artistas, compositores y escritores .
La trayectoria de Montes-Bradley abarca más de tres décadas e incluye más de cincuenta películas que exploran el arte, la música, la historia y la identidad cultural. Nacido en Argentina y residente en Estados Unidos desde hace mucho tiempo, mantiene un interés constante en cómo las vidas individuales se entrelazan con fuerzas históricas más amplias, especialmente en momentos de transición y cambio cultural.
Es autor publicado por Random House, Sperling & Kupfer, y sus libros se han traducido a varios idiomas. Montes-Bradley ha recibido premios internacionales tanto de cine como de fotografía. Sus documentales se centran en artistas, compositores, escritores y capítulos olvidados de la historia estadounidense y mundial, combinando investigación de archivo, entrevistas contemporáneas y narración ensayística.
Montes-Bradley colabora estrechamente con el Documentary Film Fund, una organización sin fines de lucro que apoya el desarrollo y la difusión de documentales. Su obra se distribuye internacionalmente a través de Kanopy y Alexander Street, y está disponible en más de 40 mil bibliotecas públicas y académicas de todo el mundo.
Sus documentales se proyectan con frecuencia en museos, universidades e instituciones culturales, y siguen sirviendo como recurso para el público interesado en el estudio de la historia cultural y las artes.