Del jueves 19 al lunes 30 de noviembre se llevará a cabo el Festival BAFOZI Ruso Chino y de Oxford, que como es tradicional desde su primera edición en 2012, reúne rarezas de la Filmoteca Buenos Aires. El Festival forma parte de la programación del Malba. Todas las películas podrán verse gratuitamente en el canal de YouTube del Bazofi en el horario estipulado de proyección.
Se trata de un evento cinéfilo por excelencia, que se caracteriza por exhumar films que son extraordinarios en muchos sentidos. Su programación es heterogénea e incluye extraños films de género, obras maestras desconocidas, cine mudo con música, films argentinos imprescindibles pero muy poco vistos y rescates exclusivos.
En la noche de apertura se podrá ver el documental CÓMO SE HIZO EL EXILIO DE GARDEL (Argentina-2010) de Fernando Martín Peña, que no tuvo estreno comercial y fue realizado exclusivamente para acompañar la edición en DVD. Entre otras rarezas, podrá verse la desconocida producción nacional DO YOU CRY 4 ME ARGENTINA?, estrenada en 2005 y realizada porel coreano Esteban Bae.
Esta es la programación completa.
Jueves 19
17:30hs. Película de apertura: ESPOSAS COMPLACIENTES (The Stepford Wives, EUA-1975) de Bryan Forbes, c/Katharine Ross, Paula Prentiss, Peter Masterson, Nanette Newman, Tina Louise, Carol Eve Rossen. 114’.
Luego de canonizar a Peter Collinson, el BAZOFI emprende desde esta edición la noble tarea de canonizar a Bryan Forbes, un realizador británico tan extraordinario como mal conocido. Este es su film más célebre, en parte porque está basada en un libro de Ira Levin (el autor de EL BEBÉ DE ROSEMARY) y en parte porque tuvo una remake en clave de comedia en 2004. El original de Forbes es imbatible, sin embargo. En lo esencial, la trama empieza como un ligero drama doméstico y se transforma poco a poco en una intriga de horror machista mediante una cuidadosa suma de elementos ligeramente perturbadores que van descomponiendo el clima bucólico inicial. Para ello, todo el relato aparece concentrado en la percepción de su protagonista Katharine Ross, lo que además garantiza la eficacia del desenlace.
20hs. Filmoteca Online: CÓMO SE HIZO EL EXILIO DE GARDEL (Argentina-2010) de Fernando Martín Peña. Largometraje documental. 85’.
A partir de una extensa entrevista con Fernando Solanas y una importante cantidad de material de archivo hasta ahora inédito, el film describe el proceso de realización de EL EXILIO DE GARDEL, una de las películas más significativas del cine argentino de los ’80. Se hizo exclusivamente para acompañar su edición en DVD, con la inapreciable colaboración de Alberto Ponce, y no tiene otra pretensión que la del testimonio.
22hs. Sección: “Defendamos los ferrocarriles del Estado” – PÁNICO EN EL TRANSIBERIANO (España / Gran Bretaña-1972) de Eugenio Martín, c/Christopher Lee, Peter Cushing, Alberto de Mendoza, Silvia Tortosa, Telly Savalas, Julio Peña, Helga Liné. 90’.
El pánico del título lo produce un ser espantoso, que se traslada de un cuerpo a otro mientras un grupo de pasajeros del legendario expreso intenta comprender lo que está ocurriendo. El film delata un poco su escaso presupuesto (en un transiberiano de juguete, por ejemplo) pero funciona gracias a la original premisa argumental, a un logrado tono gótico y a un elenco irrepetible que reunió al Rafa con Drácula y Kojak.
Viernes 20
17:30hs. sección: “Dame tu mano, hermano” – LAS MANOS DE ORLAC (Orlacs Hande, Austria / Alemania-1924) de Robert Wiene, c/Conrad Veidt, Alexandra Zorina, Fritz Strassny, Paul Askonas, Fritz Kortner. 99’.
Un famoso pianista pierde sus manos en un accidente y recibe las de un asesino recién ajusticiado. El director Wiene era célebre por haber dirigido EL GABINETE DEL DR. CALIGARI, la película que introdujo el expresionismo al cine. Aquí volvió a trabajar con el gran Conrad Veidt (que había hecho de Césare en CALIGARI) en una historia de alienación mental y, aunque sus recursos formales son más sutiles, se advierte su voluntad de volver externo y visible un deterioro que es interior y misterioso. Para pensar.
20hs. Filmoteca Online: LOS MUSICALES DE MANES & PEÑA. Un arbitrario recorrido por musicales inusuales, extranjeros y argentinos, en esta edición recuperada del antiguo programa FILMOTECA – TEMAS DE CINE. Para bailar.
21:30hs. DO YOU CRY 4 ME ARGENTINA? (Argentina, 2005) de Esteban Bae (Bae Youn Suk), c/Kim Borum, Cho Duk Kyu, Bang Hyoun Sik, Cristina Urn. 102’.
Esta es una ópera prima (y hasta ahora única) sorprendente, realizada por un joven coreano nacido en Seúl en 1973, que emigró a Buenos Aires con su familia en 1986. Describe la experiencia de los jóvenes inmigrantes de su generación con una vitalidad pirotécnica y una imaginación formal inagotable, que ensaya con la misma fertilidad la reflexión y la hiperkinesis. Se realizó de manera marginal, sin apoyos oficiales, sin llegar al fílmico y sin tener estreno comercial. Pese a ese carácter maldito, es uno de los films indispensables del cine argentino y una obra única en su especie. El BAZOFI recompensará con una foto de Joseph Cotten desnudo a quien pueda proporcionar información veraz sobre el paradero actual de Esteban Bae.
24hs. Homenaje a Freddie Francis: POSESIÓN SATÁNICA (The Innocents, Gran Bretaña-1961) de Jack Clayton, c/Deborah Kerr, Michael Redgrave, Peter Wyngarde, Megs Jenkins. 100’.
Como a los críticos autoristas no le suena el nombre de Jack Clayton, suelen desestimar una espléndida filmografía que contiene esta obra maestra absoluta del horror psicológico. La trama sale de “Otra vuelta de tuerca” de Henry James, pero el poder de este film reside en la puesta en escena de Clayton, en una serie de interpretaciones antológicas y en la fotografía de Freddie Francis, en glorioso blanco y negro y Scope. El tono del film está en las antípodas del ridículo título de estreno en Argentina.
Sábado 21
17hs. LOS PLANOS PLEBEYOS – CÉSAR GONZÁLEZ EN FOCO (1)
Textos y presentación: Roger Koza
Ni la compasión ni el menoscabo de clase pueden descifrar y encuadrar del todo el cine de César González, y menos aún validarlo. Desde la irrupción inesperada en 2013 con su primera película Diagnóstico esperanza, González ha ido acopiando películas en su haber, bastantes distintas entre sí, avanzando en cada entrega con una poética que reconoce referencias variadas pero prescinde del uso directo y mimético de las tradiciones elegidas. En efecto, González es capaz de tomar prestados cortes y yuxtaposiciones de planos que pueden remitir a Vertov y Godard, trabajar el sonido como Travis Wilkerson y citar filósofos y poetas europeos sin inhibirse, como también diseminar iconografía propia de las luchas populares de la región, pero todos esos signos están de inmediato procesados por un conocimiento personal e idiosincrásico del universo simbólico que filma. El resultado es desconcertante, allí donde las categorías ortodoxas para analizar una secuencia, apreciar una predilección cromática, interpretar modalidades de conducta o imponer lecturas sociológicas sobre el conjunto de los personajes pueden ser inexactas y proclives al espejismo de clase, cuando no obsoletas.
Como es sabido, al cineasta le gusta adjudicarse un adjetivo para describir su posición en el ecosistema del cine; habla de sí como un cineasta plebeyo, arriesgada presentación ante el mundo, no exenta en la recepción de suspicacias. Para quien se proponga un esfuerzo de entendimiento, lo que se quiere decir con esto se puede corroborar en cada plano que filma y en cada historia que cuenta. ¿Pueden un plano, una secuencia narrativa, una modalidad de concebir el espacio y el tiempo inferirse de esa invocación? ¿Es el viejo lenguaje de la política clásica de Occidente y ese término en particular una cifra precisa de su obra? Basta prestar atención a cómo filma el barro en Diagnóstico esperanza (o Lluvia de jaulas) o los callejones de una villa en Atenas para pensar que tal vez ese vocablo es mucho más que un giro idiomático inteligente y un eslogan conveniente para llamar la atención. Es hora de tomarse en serio esta cuestión del cineasta plebeyo, pues su aparición en la escena del cine argentino es una muy bienvenida anomalía.
DIAGNÓSTICO ESPERANZA (Argentina-2013) de César González, c/Nazarena Moreno, Alan Garvey, Marcos Blanco, Esteban el As, Mariano Alarcón, Mariano del Río, Javier Omezzoli, Pablo Olivera. 85’.
La contundencia de esta ópera prima es ostensible: la fluidez narrativa, la dirección de actores y actrices, la composición de algunos encuadres, algunas ideas sonoras y el dominio sobre el espacio son pruebas de que González, con apenas 24 años, empezaba con una idea de cine consciente. El relato coral y generacional sobre algunos habitantes de la Villa Carlos Gardel de la Provincia de Buenos Aires reúne actos cotidianos diversos y suficientes para abarcar tanto la vida económica, a menudo ligada al delito (menudeo de drogas, robo y asaltos), como la vida cultural y familiar. González se abstiene de envilecer (como de suavizar) el universo que filma porque a las tareas delictivas las contradice dialécticamente a través de la presentación estructural de un contexto desfavorable prodigándoles sensatamente a los personajes rasgos singulares en los que se llega a delinear aun la vulnerabilidad de la mayoría: un hombre es capaz de robar sin piedad y llorar desconsoladamente por amor; otro, tras una jornada estéril de venta callejera, reconoce su destino trágico y se le caen un par de lágrimas sin inhibirse; un adolescente no renuncia jamás a su deseo de hacer rimas y cantar.. El acierto de González es emplear estereotipos distanciándose de estos todo lo necesario para trabajar sobre cada personaje el atributo anímico que lo define. Pero no todo se circunscribe a hombres y mujeres del barrio. González puede filmar en cuatro planos generales la cárcel de Devoto y transformar ese edificio en una suerte de cameo de un régimen temible; el cineasta también puede dispensarle un par de planos al barro del potrero de La Gardel y hacer de este un terreno que cobija la hermosura de la tierra infértil en materia de juego y felicidad. (RK)
19hs. homenaje a Sean Connery: RESCATE SUICIDA (Ffolkes / North Sea Hijack, Gran Bretaña-1979) de Andrew V. McLaglen, c/Roger Moore, Anthony Perkins, James Mason, Michael Parks, David Hedison. 100’.
Un grupo de villanos se apodera de una plataforma petrolífera en el Mar del Norte para pedir un multimillonario rescate. El único hombre que parece capaz de desbaratar la maniobra es Ffolkes, un mercenario misógino y excéntrico que pone nervioso a todo el mundo. Una de aventuras a la antigua, con altas dosis de suspenso analógico, un elenco irrepetible y un héroe políticamente incorrecto. Digna de un sábado de súper acción.
21:15hs. Retrospectiva de films donde dicen “You talkin’ to me?” antes que Taxi Driver – RUMBO AL INFIERNO (The Shooting, EUA-1966) de Monte Hellman, c/Warren Oates, Millie Perkins, Jack Nicholson, Will Hutchins. 81’.
Este western ascético fue realizado al mismo tiempo y por el mismo equipo que RIDE IN THE WHIRLWIND, pero es mucho más abstracto y misterioso. La escasa trama se define en los primeros minutos y el resto es, como anticipa su título en castellano, una larga marcha hacia el infierno. Aunque Nicholson hace aquí uno de sus primeros personajes deleznables, el film se apoya en el gran Warren Oates y en el protagonismo que el director Hellman le da al paisaje. Fue escrito por Carole Eastman (con el seudónimo Adrien Joyce), que luego escribió otros films para Nicholson incluyendo su esencial MI VIDA ES MI VIDA.
23hs. Foco: Antes de la Ozploitation: HOMBRE SIN MAÑANA (Wake in Fright / Outback, Australia-1971) de Ted Kotcheff, c/Donald Pleasence, Gary Bond, Chips Raffery, Sylvia Kay. 109’.
Un hombre queda varado en un pueblo del interior australiano profundo y se pierde en una vertiginosa espiral de irracionalidad y salvajismo. Algo horrible pasaba en el mundo para que el cine diera a luz, más o menos al mismo tiempo, films como PERROS DE PAJA, DELIVERANCE o este. La principal diferencia con esos films es que HOMBRE SIN MAÑANA es mucho más subjetiva y -por lo tanto- mucho más perturbadora: los demonios no son externos sino muy propios. Fue el segundo largometraje del canadiense Kotcheff, más conocido por otra escalada de ferocidad: RAMBO (1982).
Domingo 22
17hs. bazofito: FORTALEZA (Fortress, Australia-1985) de Arch Nicholson, c/Sean Garlick, Rachel Ward, Alaine Cusick, Laurie Moran. 85’.
Una maestra y su grupo de pequeños alumnos son salvajemente secuestrados y encerrados en una caverna. El salvajismo cambia de bando a medida que la maestra y los niños sienten que no les queda otra opción. Aunque se hizo para la TV y es algo tardío en relación con lo más conocido de la ozploitation, este film tiene un merecido culto. La clave es el trabajo del guionista todo-terreno Everett De Roche, que siempre sabía lo que hacía.
19hs. LOS PLANOS PLEBEYOS – CÉSAR GONZÁLEZ EN FOCO (2)
EXOMOLOGESIS (Argentina-2017) de César González, c/ Sofía Gala, Juan Minujín, Gustavo Pardi, Alan Garvey, Mariano del Río, Javier Omezzoli, Guillermo Romano, Victoria Lagos. 90’.
El desafío es grande, acaso se trate de una misión imposible: filmar un concepto filosófico. El elegido es el que le da el título a la película y es demasiado antiguo. En el cristianismo primitivo, es decir, en el siglo II, la exomologesis constituía una fase final de ciertos ritos penitenciales. Escenificando los suplicios, el penitente accedía a una verdad sobre sí mismo. González llega a estas misteriosas formas de razonamiento a través de Michel Foucault, a quien está dedicada la película (mención que prescinde de cualquier atisbo exhibicionista, pues para el cineasta ha sido más que un autor). Este imagina entonces un grupo diferenciado de hombres de edades distintas y procedencia sociales heterogéneas sometidos a ejercicios espirituales con dosis de castigos breves como cumplimiento de una condena. Todo tiene lugar en un departamento moderno en el que entran y salen hombres y mujeres cuya misión consiste en disciplinar y hacer brotar la verdad de los prisioneros bajo técnicas distintas de padecimiento. El juego filosófico puede ser por momentos incómodo, a veces fascinante y en ocasiones hasta divertido, como cuando los réprobos entonan una canción propia de un fogón o una misa kitsch invocando la racionalidad; los golpecitos cortos y repetitivos sobre la cabeza entre ellos y por parte de sus confidentes casi parecen un recurso cómico de la tradición del slapstick. Todo es auténticamente raro, porque el concepto en sí lo es, lo que justifica las decisiones de puesta en escena alejadas de cualquier realismo y naturalismo conocidos. (RK)
21hs. Retrospectiva Leonard Kastle: THE HONEYMOON KILLERS (EUA-1969) de Leonard Kastle, c/Shirley Stoler, Tony Lo Bianco, Mary Jane Higby, Doris Roberts. 107’.
Este es uno de los films independientes más importantes de su tiempo y un auténtico fenómeno de culto. La idea del director y guionista Kastle era contar la historia de una pareja de ladrones y asesinos en un tono lo más alejado posible de la glamorosa BONNIE & CLYDE (Arthur Penn, 1967). En algún momento, Martin Scorsese fue convocado para dirigirla pero lo despidieron por formalista. El resultado es crudo y directo, y procura comprender a los protagonistas sin despojarlos de su perversidad. El naturalismo resultante no quiere decir que no haya momentos de fuerte impacto visual cuando hacen falta: la escena de la protagonista en el lago gritando “¡Me traicionaste!”, por ejemplo, es inolvidable. Pero también es esencial para entender el sistema de extorsión emocional que une a los protagonistas. La historia es real, los crímenes ocurrieron entre 1947 y 1949 y la pareja fue ejecutada en 1951.
Lunes 23
18hs. HAT la vio primero – REJAS HUMANAS (Blind Alley, EUA-1939) de Charles Vidor, con Ralph Bellamy, Chester Morris, Ann Dvorak, Marc Lawrence. 69’.
Este pequeño film de clase B está en la frontera entre el policial de gángsters, muy en boga durante los 30, y el film noir, que aún estaba en pañales. Antes aún que EL MISTERIO DEL TERCER PISO (Ingster-1940), REJAS HUMANAS pone en escena una pesadilla y un relato subjetivo con recursos expresionistas y utilizando imagen negativa, algo completamente atípico en el género. Recién ahora los historiadores comienzan a darse cuenta de que el uso del psicoanálisis para destrabar un trauma juvenil que se hace en este film se anticipa seis años a CUÉNTAME TU VIDA de Hitchcock. Pero en tiempo real y con sólo 17 años, Homero Alsina Thevenet, que escribía profesionalmente desde los 14, comprendió la importancia de este film y lo destacó en la revista Cine Radio Actualidad, 29 de diciembre de 1939.
20hs. Filmoteca Online: EL ROMANCE DE LA CÁMARA OCCIDENTAL (Xi xiang ji, China-1927) de Minwei Li y Hou Yao, c/Cijiang Ge, Chichang Hu, Cho-Cho Lam. 49’.
Un estudiante pobre se enamora de una joven rica y contribuye a rescatarla del asedio de un villano. La historia, dicen, es un clásico de la literatura china. Lo que queda del film demuestra el esfuerzo por transformar esa fuente en un relato dinámico, con secuencias de fantasía y tremendas escenas de acción. Presentan Manes & Peña desde la perplejidad del espectador occidental y contemporáneo.
22hs. Favoritas de Fabio Manes: CHARLY (EUA-1968) de Ralph Nelson, c/Cliff Robertson, Claire Bloom, Lilia Skala, Leon Janney, Ruth White. 103’.
Una técnica experimental permite que un hombre con dificultades cognitivas se transforme progresivamente en un genio, aunque las consecuencias imprevistas pueden ser terribles. A medida que el protagonista madura, además, la narración se vuelve más sofisticada. Hoy nadie le presta mucha atención al director Nelson, pero mucho de su cine es evidencia (secreta) de la madurez que alcanzó el mainstream hollywoodense en los 60s.
Martes 24
18hs. Foco: El flagelo de la droga – ESTUPEFACIENTES (Stupéfiants, Francia / Alemania-1932) de Kurt Gerron y Roger Le Bon, c/Jean Murat, Danièle Parola, Jean Worms, ¡Peter Lorre! 77’.
El hermano de una estrella del teatro destrozada por las drogas enfrenta a una banda de traficantes que lidera Peter Lorre, cuándo no. Fue realizada con extraordinario dinamismo fotográfico por el actor-director Kurt Gerron, que más tarde resultó asesinado en Auschwitz por el nazismo.
20hs. Filmoteca Online: EN PELIGRO (Argentina, 1973) de Carlos Nine. Cortometraje 5’. Comedia expresionista-militante que ha sido definida como “el eslabón perdido entre Murnau y Perón” Compruébelo usted mismo.
21hs. Película sorpresa (en el canal de Hasta Trilce)
Miércoles 25
17:30hs. bazofito: PETER PAN (EUA-1924) de Herbert Brenon, c/Betty Bronson, Ernest Torrence, Mary Brian, Esther Ralston, Anna May Wong. 101’.
Esta fue la primera versión importante de la obra clásica de James Barrie y es evidente su influencia en las posteriores porque ya contiene todos los elementos fantásticos que se volvieron clásicos. El director Brenon era irlandés y uno de los grandes exquisitos del Hollywood mudo, como su compatriota Rex Ingram. El éxito mundial del film evidencia que por esos años a nadie le importó que el famoso duende fuese interpretado por una actriz (Betty Bronson, sin parentesco con Charles), decisión que provoca alguna escena ligeramente risqué.
20hs. Filmoteca Online: EROTISMO EN EL CINE MUDO, según lo entienden (o no lo entienden) Manes & Peña. ¡Ilustrado con abundantes fragmentos!
22hs. Diálogos: ¡Hitchcock y Fregonese! – JACK EL DESTRIPADOR (Man in the Attic, EUA-1953) de Hugo Fregonese, c/Jack Palance, Constance Smith, Byron Palmer, Rhys Williams, Frances Bavier. 82’.
La novela The Lodger de Marie Belloc Lowndes, publicada en 1911 e inspirada en el célebre asesino de Whitechapel, tuvo varias versiones: la primera fue THE LODGER, que también fue el primer film importante de Hitchcock. La del argentino Hugo Fregonese fue la cuarta pero tiene algunas características significativas que la vuelven singular. 1) La trama, que no vamos a revelar, es mucho más plausible; 2) fue uno de los primeros films de la historia en ser bastante explícito sobre las motivaciones psico-sexuales del asesino, siete años antes de PSICOSIS y de PEEPING TOM; 3) en el argumento importa la identificación por dactiloscopía, aunque los crímenes del Destripador fueron anteriores a la incorporación de esa técnica. Se sospecha fuertemente que el dato fue un agregado del propio Fregonese como un homenaje a los aportes argentinos que en esa materia hizo Juan Vucetich.
Jueves 26
18hs. cine apócrifo: BOLETÍN ESPECIAL (Special Bulletin, EUA-1983) de Edward Zwick, c/Ed Flanders, Kathryn Walker, Roxanne Hart. 103’.
Esta obra maestra desconocida sigue los pasos de la transmisión de “La guerra de los mundos” de Wells por Welles, actualizando la idea de apropiarse del formato de un noticiero para contar una historia de ficción con apariencia de verdad. En este caso, Zwick reprodujo hasta en sus mínimos detalles las características de un noticiero televisivo, que interrumpe la transmisión normal para dar cuenta de un secuestro extorsivo que puede poner en peligro (atómico) a toda una ciudad. Se hizo en la época en que estaban muy de moda los telefilms, una forma del cine que hoy casi nadie recuerda ni rescata. Salvo el BAZOFI, claro.
20hs. Filmoteca en vivo: PEAJE (Argentina, 200/2010) de Roly Rauwolf, c/Raúl Perrone y FMP. Mediometraje documental. 40’.
En 2000 el cineasta independiente Raúl Perrone fue invitado a presentar una de sus películas a Santa Fe por el legendario cineclubista Juan Carlos Arch. Fernando Martín Peña, que era amigo de ambos, lo acompañó. Roly Rauwolf registró todo el periplo, guardó el material y veinte años después decidió compaginarlo. Rauwolf falleció hace pocas semanas pero su mirada quedó viva en su film. Este estreno exclusivo del BAZOFI es en su homenaje.
22hs. El Aldrich Nuestro de Cada Bazofi: ASÍ NACEN LOS HÉROES (Too Late the Hero, EUA-1970) de Robert Aldrich, c/Michael Caine, Cliff Robertson, Ian Bannen, Harry Andrews, Ronald Fraser, Denholm Elliott. 133’.
Tras el éxito mundial de DOCE DEL PATÍBULO, Aldrich decidió producir, escribir y dirigir otra película de guerra con misión suicida, esta vez contra los japoneses. Un grupo de soldados con información esencial debe atravesar una selva saturada de enemigos, lo cual ya es bastante peligroso, pero el riesgo mayor se encuentra al final, en un “embudo” natural a cielo abierto que hay que cruzar bajo fuego. ¡Obra maestra de súper acción!
Viernes 27
18hs. foco: “Arturo de Córdova era un trastornado”- EL ESQUELETO DE LA SEÑORA MORALES (México, 1960) de Rogelio A. González, c/Arturo de Córdova, Amparo Rivelles, Elda Peralta, Rosenda Monteros, Antonio Bravo, ¡Angelines Fernández! 92’.
Esta es una de las comedias negras más negras (y más expresionistas) que se hayan filmado y ciertamente no parece la obra de su director González sino del escritor español Luis Alcoriza, colaborador de Buñuel y exiliado como él en México tras la guerra civil. Contiene el mejor trabajo para cine de Arturo de Córdova, estrella de alcanza internacional que se especializó en hacer personajes deschavetados. También contiene el rol cinematográfico más recordable de otra exiliada de la república española: Angelines Fernández o “La bruja del 71”.
20hs. Filmoteca Online: BK & BASTA! (retrospectiva incompleta)
Se llamaba José María Beccaría pero firmaba sus films como BK & Basta! y su música como Mamá Nos Pegaba. Como dice Pablo Rodríguez Jáuregui, que fue su amigo, colega y promotor, “BK nunca hizo ningún esfuerzo para caerle bien a nadie”. Nació en la localidad de Arequito, Santa Fe, pero concentro su trabajo en Rosario. Fue discípulo del legendario animador experimental Luis Bras y luego se sumó a El Sótano Cartoons, que Rodríguez Jáuregui y Esteban Tolj fundaron en 1996 en el antiguo estudio de Bras sobre la calle San Lorenzo, que era efectivamente un sótano. Ese grupo inicial, que daba cursos y producía con fruición, atrajo a jóvenes entusiastas, como Diego Rolle, recién egresado de la secundaria. Los cuatro, más otros que entraron y salieron, formaron el núcleo más importante de la animación rosarina, que se prolonga hasta la fecha en una escuela de animación, y en multitud de cortos, clips musicales, publicidades, series de TV e intervenciones en largos propios y ajenos.
En ese grupo, BK era el que venía de otro lado, el que mantenía una zona personal inescrutable, el que tenía algo de marginal y lumpen, el que vivía en pensiones. En el cine sin cámara de Bras descubrió la posibilidad desmitificante, liberadora, que supone hacer cine sin plata, con película velada y un plumín. La revolución digital de los 90 le acercó herramientas un poco más sofisticadas y desde entonces hasta su muerte en 2014, con apenas 42 años, no paró de producir dibujos, historietas, fotografías, música y muchísima animación. Esta retrospectiva reúne 24 cortos y es incompleta, pero representativa. El material abarca veinte años de su producción (1994-2014).
22hs. Chongos del BAZOFI: Mathieu Carrière – NACIDO PARA EL INFIERNO (Naked Massacre / Die Hinrichtung, Canadá / Italia / Francia / Alemania Occidental-1976) de Denis Héroux, c/Mathieu Carrière, Debra Berger, Christine Boisson, Myriam Boyer, Eva Mattes, Carole Laure, Leonora Fani. 92’.
Esta es una de las primeras películas en tratar sobre veteranos de Vietnam desquiciados por sus experiencias en la guerra y por diversos dramas personales. A diferencia de John Rambo, que llegaba a un pueblito inofensivo, el joven Cain llega a una Belfast militarizada cuya violencia cotidiana termina de despertar sus demonios interiores, que son muchos. El desastre sanguinario que Cain provoca a continuación, aunque parezca mentira, está basado en un episodio cierto ocurrido en Estados Unidos una década antes.
24hs. Chongas del BAZOFI: Anita Ekberg – LOS MONGOLES (I mongoli / Les mongols, Italia / Francia-1961) de André de Toth, c/Jack Palance, Anita Ekberg, Antonella Lualdi, Franco Silva. 102’.
Este peplum suele ser desestimado por su falta de apego a la Historia, pero la verdad es que no importa la Historia. Como en todos los films de De Toth, importan las situaciones que derivan en suspenso y tensión. En este caso, importa que hay un caballero polaco que decide enfrentar a Gengis Khan con una propuesta de paz, importa que esa propuesta sea amenazada por todos los participantes del conflicto e importa que el hijo del Khan sea un loco de atar.
Sábado 28
17hs. bazofito: EL LADRÓN Y EL ZAPATERO (The Thief and the Cobbler, Gran Bretaña / EUA / Irlanda / Canadá / Taiwán / China / Hong Kong / Tailandia-1964 / 2013) de Richard Williams, con las voces de Vincent Price, Bobbi Page, Donald Pleasence, Stanley Baxter. 100’.
El ilustrador y animador británico Richard Williams pasó buena parte de su vida tratando de terminar este film, que debió ser el más impresionante largometraje animado de la historia. Nunca lo logró, pero aún inconcluso ES el más impresionante largometraje animado de la historia, por su libertad formal, por su voluntad de demostrar el potencial infinito de la animación y por el altísimo nivel artístico de todo lo que puede verse. Hay muchas versiones engañosas de este film. Se exhibe la reconstrucción de 2013, que es la más cercana a las intenciones de Williams.
19hs. LOS PLANOS PLEBEYOS – CÉSAR GONZÁLEZ EN FOCO (3)
ATENAS (Argentina-2019) de César González, c/Debora González, Nazarena Moreno, Veronica Fernandez, Claudio Lobertini, Alan Garvey, Gonzalo Lorenzo. 76’.
El título de la película y el nombre de la protagonista no son casualidades. La ciudad griega es estimada como la cuna de la democracia; Perséfone remite a una figura mitológica asociada al dominio de los muertos. Ambos nombres añaden un matiz filosófico y político a esta crónica acerca de una joven que sale tras cuatro años y seis meses de la cárcel de Ezeiza. La joven no tiene ningún lugar a donde ir porque a todos sus familiares cercanos los han matado, y es así como termina recalando en la Villa 21. La amable hospitalidad de Juana, a quien conoce en una paródica sesión terapéutica, le permite sortear su destino de calle, un primer obstáculo que apenas alivia una situación tan inestable como precaria. Lo que podría ser un típico relato carcelario se desvía paulatinamente, aunque sin menoscabar la lógica narrativa puesta en marcha en el inicio, en pos de delinear un retrato caleidoscópico de la comunidad y del espacio donde habitan. Dos grandes operaciones formales enaltecen el filme: las esporádicas modificaciones sobre la lógica perceptiva de escenas comunes interrumpidas por primeros planos de los personajes con una alteración radical en el sonido; la habilidad de incluir personajes diversos e inesperados que en el paso efímero por una sola escena añaden un matiz irremplazable para la comprensión de un universo social al que se le suele negar cualquier tipo de representación que no se ajuste a la inexactitud de los estereotipos, categorías de una clase ajena a la que aquí prevalece. (RK)
21hs. Película sorpresa
22:30hs. Foco Lutz Ferrando: ZATOICHI – LA GRAN GANANCIA (Japón, 1979) de Toshiaki Kunihara, c/Shôki Fukae, Shintarô Katsu, Daigo Kusano. 45’.
Después de haber creado el personaje del samurai ciego que recorre los senderos del Japón haciendo justicia, y de interpretarlo en varias películas, el actor y productor Shintaro Katsu lo llevó a la TV en una serie de episodios cuidadosamente realizados que han sido muy poco vistos hasta la fecha. La Filmoteca tiene algunos de esos episodios (en fílmico y rutilantes colores), los hicimos traducir por Ivana Ruiz (que aprendió japonés especialmente) y hoy exhibiremos uno de ellos en el marco del BAZOFI DE OXFORD.
24hs. Sección “Peter Collinson que Estás en los Cielos”: LOS CAZADORES (Open Season, España / Suiza / Gran Bretaña / EUA-1974) de Peter Collinson, c/Peter Fonda, Richard Lynch, Cornelia Sharpe, William Holden, John Philip Law y ¡Alberto de Mendoza! 104’
Tremenda variación sobre la premisa del clásico EL MALVADO ZAROFF: la presa que más excita al cazador psicótico es el ser humano. Después, mucho después, vinieron EL FRANCOTIRADOR y RAMBO, pero la primera película en decir que de Vietnam se vuelve desquiciado fue esta obra maestra terrible y desesperada de Peter Collinson. Como otros films del realizador, LOS CAZADORES es muy difícil de ver en la actualidad y tiene una doble conexión argentina: no sólo trabaja Alberto de Mendoza sino que además el asistente de dirección fue Adolfo Aristarain.
Domingo 29
17hs. Gloria Eterna a la Inmortal Brigitte – EL AMOR DE JUANA NEY (Der Liebe der Jeanne Ney, 1927) de Georg W. Pabst, c/Edith Jehanne, Brigitte Helm, Uno Henning, Fritz Rasp, Vladimir Sokoloff. 110’ aprox.
Una muchacha escapa de la Rusia revolucionaria tras el asesinato de su padre y encuentra dudoso refugio en casa de un pariente en París. Con una consumada pericia narrativa, Pabst desarrolla la historia en parte como un relato de aventuras y en parte como un melodrama, con una puesta en escena de sorprendente modernidad y una cámara en movimiento permanente. Para una antología de la sordidez deben apuntarse las escenas entre un estafador (interpretado por Fritz Rasp, que se especializó en hacer personajes repugnantes) y una muchacha ciega, la inmarcesible Brigitte Helm.
19:15hs. Los alegres musicales del BAZOFI – LA NOVIA DEL DIABLO (Velnio nuotaka, URSS / Lituania-1974) de Arunas Zebriunas, c/Vaiva Mainelyte, Gediminas Girdvainis, Regimantas Adomaitis, Vasyl Symchych. 78’.
A grandes rasgos, este musical lituano trata sobre los múltiples obstáculos que inventa un demonio para impedir el amor entre dos jóvenes. Dicen los que saben que es la versión fílmica de una obra muy popular, que mezcla de un modo rarísimo temas folklóricos, jazz y rock. La excusa de su tema fantástico permite al realizador Zebriunas inventar toda clase de escenas disparatadas, empezando una en el mismísimo Paraíso que incluye una orgía angelical mientras Dios trata de tocar una campanita. En la gran tradición de otros grandes éxitos musicales del BAZOFI como BAGDASAR SE DIVORCIA y EL AMOR SE COSECHA EN VERANO. ¡Compre el LP al salir de la sala!
21hs. LOS PLANOS PLEBEYOS – CÉSAR GONZÁLEZ EN FOCO (4)
CASTILLO Y SOL (Estreno, Argentina – 2020) de César González, c/ Mariano del Río, Ananda Li Bredice, Alan Garvey, Nadia Rodriguez , Guillermo Romano, Sofía París, Javier Omezzoli, Sofía de Rosas, Elías Zacovich. 70’
Los primeros meses de la pandemia y la estricta cuarentena inicial intensificaron una relación abstracta con la cotidianidad. La percepción del tiempo y el espacio conoció una intersección disociada de la eficiencia y los compromisos; existir significó, sin entrenamiento previo, ser en la duración y en la inmovilidad. Entre marzo y junio de 2017, González imaginó una ciudad vacía y sin gente en las calles, sin televisores y celulares encendidos; un poder indefinido acechaba y sobrevolaba; asimismo, un virus sin nombre provocaba fiebre y tos. Los protagonistas de esta fantasía distópica son muchos hombres y mujeres que viven hacinados en un departamento de pocos ambientes; en tales circunstancias, no hay mucho para hacer, más allá de algún juego circunstancial, responder a preocupaciones dispersas sobre la situación en la que están y entablar conversaciones aisladas que invocan tímidamente al patriarcado y la revolución. El título remite a un cuadro de Paul Klee de 1928, un retrato abstracto sobre el paisaje de una metrópolis donde los edificios están amontonados y los colores rojos y anaranjados se imponen, noción que la película toma sin estridencias para mostrar la ciudad de Buenos Aires desde la perspectiva claustrofóbica de los personajes y eligiendo el color rojo como preferencial. En el año del rodaje, Castillo y sol era un experimento de ficción en un registro antinaturalista destinado a indagar la alienación psicológica y en tensión con ciertos discursos políticos en ciernes, y establecía un díptico con Exomologesis; tres años después y finalizada en plena pandemia, todo adquiere otro sentido, porque la relación con el presente es tan evidente como también paródicamente catártica y en cierta medida también enigmática, esto último gracias al concepto sonoro y musical empleado en varios segmentos, cuya consecuencia pronuncia aún más el tono abstracto de la puesta en escena y las connotaciones concretas de un reciente estado de conciencia colectivo. (RK)
23hs. Sección: “Making America Great”: HAIL (EUA-1973) de Fred Levinson, c/Dan Resin, Richard B. Shull, Dick O’Neill, Joseph Sirola, Pat Ripley. 85’.
Ante el aumento de las protestas mayormente juveniles por diversos motivos políticos, al presidente de Estados Unidos se le ocurre crear un cuerpo de elite para reprimir a los disidentes y encerrarlos en campos de concentración. A veces las películas las hace la época más que los cineastas. El director Fred Levinson jamás volvió al cine, pero su película (basada en un afiladísimo libreto original de Jerry Spiegel y Phil Dusenberry) anticipó los disparates paranoides de Richard Nixon que culminaron en su prematura renuncia tras el escándalo Watergate. Pese a haber sido totalmente postergada por los distribuidores primero y por la crítica y los historiadores después, HAIL es una de las sátiras políticas más oscuras que produjo el cine norteamericano.
Lunes 30
17:30hs. Retrospectiva de James Bauer: EXPLOSIVO 008 (Argentina, 1940) de James Bauer, c/Vicente Padula, María Antinea, Juan Sarcione, Joaquín Petrosino, Lea Conti, María de la Fuente. 68’.
Una intriga de espionaje y un enredo pasional se desenvuelven alrededor de la revolucionaria invención de un arma secreta. Los ecos de la guerra mundial resuenan en este film de bajo presupuesto, que se consideraba perdido hasta que fue restaurado en 2004. Es el único film que se puede ver en la actualidad del enigmático realizador alemán James Bauer, muy activo durante los años 20 y que al parecer llegó a la Argentina huyendo del nazismo. El protagonista Padula es más conocido por haber acompañado a Carlos Gardel en cuatro de sus películas.
19hs. LA TRAMPA DEL DIABLO (Dáblova past, Checoslovaquia-1962) de Frantisek Vlácil, c/ Karla Chadimová, Vlastimil Hasek, Josef Hlinomaz, Bedrich Karen, Ladislav Kazda. 85’.
Segundo largometraje de Vlácil, el gran formalista del cine checo y el primero en que demostró su interés en la historia, la Iglesia y el poder, que siempre representa en estado de corrupción. En este caso la trama confronta a la familia de un molinero, hombres libres y conocedores de la ciencia, con un regente que basa su fuerza en la complicidad con el clero y en la ignorancia de su pueblo. El amor entre el hijo del molinero y la bella Martina, que para concretarse necesita la aprobación del regente, sirve como catalizador del conflicto, que Vlácil filma en un tono entre impresionista y alucinado.
21hs. Película de clausura: UN MUCHACHO Y SU PERRO (A Boy and His Dog, EUA-1975) de L. Q. Jones, c/Don Johnson, Jason Robards, Susanne Benton, voz de Tim McIntire, Alvy Moore. 91’.
Esta una de las películas más pedidas y recordadas de todo el ciclo televisivo Filmoteca – Temas de Cine, desde que la pasamos con Fabio Manes en una semana dedicada al Cine de Culto, lo que confirma precisamente su carácter de culto. Se trata de una especie de road movie postapocalíptica, protagonizada por los dos personajes del título que tienen la particularidad de poder comunicarse telepáticamente. Es la más célebre de las dos únicas películas que hizo L. Q. Jones, actor de larguísima carrera y recurrente en la obra de Sam Peckinpah.
23hs. Despedida y fiesta de cierre, con sorpresa